Z ogromną radością dzielimy się wiadomością, że w tym roku aż trzy utwory Schubert Music Library znalazły się na shortliście Production Music Awards (PMA). PMA to jedno z najbardziej prestiżowych wydarzeń w branży production music, wyróżniające kompozytorów i profesjonalistów tworzących muzykę do filmów, produkcji telewizyjnych, reklam oraz innych treści audiowizualnych.

Shortlista 2026 została wyłoniona spośród ponad 390 międzynarodowych zgłoszeń. Jesteśmy niezwykle dumni, że trzy utwory wydane przez Twelvetones znalazły się w gronie najlepszych w trzech różnych kategoriach:

• Pop Rock – Production Music Track: Rien Ne S’efface – kompozytorzy: Csaba Faltay, Layla Bouchtib
• Chart Pop – Production Music Track: Tu Pars – kompozytorzy: Gábor Bruzsa, Manon Lardanchet
• Acoustic Pop – Production Music Track: Morning Sun – kompozytor: Imre Poniklo

Ceremonia wręczenia nagród odbędzie się 19 listopada 2026 roku w Bloomsbury Big Top w Londynie. Z tej okazji porozmawialiśmy z trzema nominowanymi kompozytorami o ich muzycznych doświadczeniach, inspiracjach oraz o tym, co oznacza dla nich to międzynarodowe wyróżnienie.

Csaba Faltay: „Nic tak naprawdę nie znika bez śladu”

Csaba Faltay działa w branży muzycznej od ponad 25 lat jako kompozytor, producent i creative manager. Zaczynał jako klawiszowiec, a po latach pracy producenckiej i realizatorskiej na pierwszy plan wysunęła się kompozycja. Oprócz muzyki reklamowej oraz muzyki do filmów i telewizji stworzył setki utworów production music. Od ponad dekady zajmuje się również budowaniem i kreatywnym prowadzeniem katalogów muzycznych. Obecnie jest Creative Directorem Schubert Music Library, pozostając jednocześnie aktywnym kompozytorem i producentem. Niedawno ukończył muzykę do nowego serialu Keselyű (Vulture).

Tak opowiada o historii nominowanego utworu Rien Ne S’efface:

„To w zasadzie klasycznie skonstruowana piosenka popowa inspirowana francuskim popem lat 80. Chciałem przywołać lekko melancholijny, elegancki klimat tamtej epoki, ale osadzić go we współczesnej produkcji. Główne przesłanie tekstu jest takie, że nasze doświadczenia i wspomnienia pozostają z nami — rien ne s’efface vraiment, czyli nic tak naprawdę nie znika bez śladu. Wokal i tekst Layli stały się niezwykle ważną częścią utworu. Jej wykonanie wydobyło ten delikatny, melancholijny, francuski charakter, którego szukałem.”

Według Csaby sekret dobrej production music tkwi w jej elastyczności:

„Dzięki klasycznej strukturze Rien Ne S’efface sprawdza się jako samodzielna piosenka, a jednocześnie jej emocjonalny charakter jest na tyle otwarty, że może pasować do różnych historii — od nostalgii i upływu czasu po eleganckie sceny w europejskim stylu.”

Csaba jest pierwszym węgierskim kompozytorem, który znalazł się na shortliście PMA przez trzy kolejne lata. W ubiegłym roku otrzymał aż dwie nominacje.

„Dla mnie production music w żadnym wypadku nie jest drugorzędną dziedziną kompozycji. Fascynujące jest właśnie to, że można poruszać się pomiędzy tak wieloma muzycznymi światami, cały czas mając na uwadze obraz, historię i funkcję muzyki. Wymaga to sposobu myślenia kompozytora, perspektywy producenta i głębokiego zrozumienia medium audiowizualnego” — dodaje.

Gábor Bruzsa: „W mojej głowie to soundtrack do La Boum 3”

Gábor Bruzsa przez ponad 25 lat grał w różnych zespołach, zarówno na scenie, jak i w studiach nagraniowych (Emil.RuleZ!, Katan, Bülbüls i inne), a od początku istnienia Twelvetones jest jednym z jego kluczowych kompozytorów. Na co dzień pracuje jako kompozytor i montażysta w agencji reklamowej.

Przyznał, że nominacja w kategorii Chart Pop była dla niego prawdziwym zaskoczeniem, ponieważ miał poczucie, że utwór wyróżnia się na tle konkurencji swoim vintage’owym charakterem i złożonymi zmianami akordów.

„Kiedy dostałem zadanie napisania utworu na album o francuskim charakterze, od razu pomyślałem o komediach romantycznych z lat 80. i ponadczasowej muzyce Vladimira Cosmy. Chciałem stworzyć coś w podobnym klimacie, nieco bardziej współczesnego aranżacyjnie, ale zachowującego żywe, analogowe brzmienie tamtej epoki. Kiedy Manon Lardanchet napisała i nagrała francuski tekst, Tu Pars naprawdę ożyło i wyszło dokładnie tak, jak to sobie wyobrażałem.”

Zapytany o to, jak widzi ten utwór w produkcji audiowizualnej, Gábor odpowiedział:

„Wyobrażam sobie nocne, romantyczne, miejskie sceny w Paryżu. Ale jeśli mam być całkowicie szczery, w mojej głowie jest to soundtrack do La Boum 3.”

Mówiąc o międzynarodowym wyróżnieniu, podkreślił:

„Tworzenie production music jest dla mnie idealnym placem zabaw. Pozwala mi eksperymentować z wieloma rzeczami, które uwielbiam, bez ryzyka, że zrobię sobie poważną krzywdę. Mam szczęście do mojego wydawcy i przyjaciela, Csaby Faltaya, który przez lata powierzał mi bardzo różnorodne zadania. Nominacja to dla mnie ogromny zaszczyt, szczególnie jako dla mniej znanego kompozytora z niewielkiego wschodnioeuropejskiego labelu. Z ogromną ekscytacją czekam na galę.”

Imre Poniklo: „Lubię do wszystkiego dorzucić jakiś twist”

Imre Poniklo wychował się przede wszystkim na anglo-amerykańskiej muzyce pop. Jego główny zespół, działający od 25 lat Amber Smith, wydał dziewięć albumów i odniósł sukces na rodzimym rynku, koncertując jednocześnie intensywnie w Europie i Stanach Zjednoczonych. Nominowany utwór Morning Sun pochodzi z jego najnowszego solowego albumu Songs of Summer, jednego z trzech wydawnictw solowych artysty.

Pomysł na utwór narodził się podczas jednej z wcześniejszych ceremonii PMA:

„Dwa lata temu, kiedy byłem na gali razem z Csabą Faltayem, oglądając kategorię Best Folk/Acoustic, pomyślałem, że sam chciałbym nagrać taki album. Poza tym technicznie jest to bardzo proste — wszystko, czego potrzebujesz, to gitara.”

Pomysłowa konstrukcja i przewrotny temat utworu sprawiają, że jest on szczególnie interesujący pod kątem wykorzystania w mediach:

„Production music zazwyczaj sprawdza się najlepiej, kiedy jest bezpośrednia i na tyle uniwersalna, żeby pasować do wielu kontekstów. Ja lubię do wszystkiego dorzucić jakiś twist. Przy tytule Morning Sun oczywistym wyborem byłaby pozytywna piosenka wychwalająca nowy dzień. Zamiast tego napisałem ją z perspektywy kogoś, kto nie znosi tego, że słońce już wstało i chce po prostu dalej spać. Myślę, że świetnie sprawdza się w scenach, w których może wybrzmieć ta odrobina ironii.”

Dla Imre nominacja ma szczególne znaczenie, ponieważ sam nie postrzega siebie przede wszystkim jako kompozytora production music:

„W świecie production music jestem właściwie outsiderem. Mimo że brałem udział w tworzeniu kilku albumów i dwa lata temu otrzymałem nominację, postrzegam siebie bardziej jako artystę skupionego na własnej ekspresji, który tworzy muzykę w mniejszym stopniu z perspektywy jej użytkowego charakteru. Dlatego to wyróżnienie znaczy dla mnie tak wiele — daje mi poczucie uznania w dziedzinie, która jest mi tylko częściowo znana.”

Międzynarodowe grono najlepszych twórców

To nie pierwszy raz, kiedy katalogi Schubert Music Library i Twelvetones zostały dostrzeżone podczas Production Music Awards. W ubiegłym roku aż cztery wydane przez nas utwory znalazły się na shortliście.

Nominacje w 2025 roku były szczególnie ważne, ponieważ pokazały prawdziwą różnorodność oraz międzynarodowy zasięg naszej biblioteki. Obok węgierskich kompozytorów, takich jak Zsófia Tallér i Csaba Faltay, który otrzymał dwie nominacje w kategorii Ambient / Minimalist za Northern Light i Ascending Piano Cycles, wyróżniono również międzynarodowych artystów. Outlaw Jamesa Cochrane’a zwrócił uwagę w kategorii Rock, natomiast wspólny utwór Manuela Dedondera i Santiago Dolana, Mountain Sky, znalazł się wśród najlepszych na świecie w kategorii Folk.

Kolejne nominacje są dla Schubert Music Library cennym potwierdzeniem ze strony branży, że muzyka znajdująca się w naszym katalogu niezmiennie spełnia najwyższe międzynarodowe standardy. Trzymamy kciuki za naszych nominowanych podczas londyńskiej gali 19 listopada!

W poprzednim artykule mówiliśmy o wizualnym szumie i o tym, że dźwięk pozostaje ostatnią niewykorzystaną przewagą konkurencyjną marek.

Pojawia się jednak kluczowe pytanie: jak strategia biznesowa przekłada się na tożsamość dźwiękową?

Wiele osób uważa, że branding muzyczny polega na siedzeniu w studiu i improwizowaniu, aż powstanie coś „chwytliwego”.

W rzeczywistości profesjonalne projektowanie sonic brandu nie zaczyna się od inspiracji, lecz od strategii.

Sztuka tłumaczenia: z języka marketingu na język muzyki

Jednym z największych wyzwań jest fakt, że marketing i muzyka nie zawsze mówią tym samym językiem.

Gdy klient mówi „muzyka ma być innowacyjna”, dla kompozytora może to znaczyć coś zupełnie innego niż dla zespołu produktowego.

Naszą rolą jest tłumaczenie.

Nie zaczynamy od nut ani akordów. Najpierw analizujemy cechy marki i określamy jej charakter w kategoriach emocji, dynamiki, energii i struktury. Dopiero później przekładamy to na konkretne decyzje muzyczne.

Jak brzmi „innowacja” w różnych branżach?

1. Startup technologiczny z obszaru AI

Tutaj innowacja jest lekka, szybka i elastyczna. Brzmienie opiera się na czystych, wysokoczęstotliwościowych teksturach. Zamiast klasycznych instrumentów pojawiają się zhumanizowane brzmienia cyfrowe, miękkie pulsacje zamiast ostrych sygnałów. Rytm jest płynny i dynamiczny, sugerując tempo danych i orientację na przyszłość.

2. Ogólnokrajowa sieć bankowa

W tym przypadku innowacja musi być stabilna i oparta na zaufaniu. Fundament tworzą ciepłe, organiczne instrumenty, takie jak fortepian akustyczny czy głębokie smyczki. Dopiero na tej bazie pojawiają się subtelne elementy cyfrowe oraz pewny, stabilny puls. Komunikat jest jasny: nowoczesność bez utraty wiarygodności.

Studium przypadku: imperium trzech sekund

Czy warto inwestować w trzysekundowe logo dźwiękowe?

Przykład Netflix pokazuje, że tak. Ikoniczne „ta-dum” nie powstało przypadkiem. To efekt świadomej decyzji, połączenia metalicznego uderzenia z głębokim pulsem, który buduje napięcie i emocję kinowego doświadczenia.

Dziś wystarczą dwa dźwięki, by w wyobraźni pojawiło się czerwone „N”. To nie przypadek. To strategia.

Koniec subiektywności

Największą siłą świadomie zaprojektowanej tożsamości dźwiękowej jest to, że wyprowadza decyzje poza sferę gustu.

Pytanie przestaje brzmieć „czy mi się to podoba?”, a zaczyna „czy to jest zgodne ze strategią marki?”.

Odpowiedź znajduje się w wytycznych sonic brandu.

W świecie, w którym trendy wizualne zmieniają się co sezon, spójna tożsamość dźwiękowa może wspierać markę przez dekady.

Nie chodzi o to, by uniknąć ciszy w kampanii. Chodzi o to, by głos marki był spójny, autentyczny i natychmiast rozpoznawalny od reklamy telewizyjnej po aplikację mobilną.

Jeśli chcesz dowiedzieć się, jak przełożyć strategię biznesową na język dźwięku, skontaktuj się z nami i porozmawiajmy o dźwiękowej przyszłości Twojej marki.

Wychodząc naprzeciw potrzebom naszych klientów, którzy chcieli lepiej poznać sposób działania Schubert Music Library, przygotowaliśmy limitowaną promocję opartą na praktycznym „wejściu” w nasz katalog.

Stworzyliśmy 10 playlist tematycznych obejmujących różne style i zastosowania muzyczne – tak, aby ułatwić poruszanie się po wyszukiwarce i pokazać, jak różnorodna jest nasza oferta w codziennej pracy kreatywnej.

W ramach akcji udostępniliśmy 100 wyselekcjonowanych utworów w promocyjnej cenie 1 zł netto + VAT za każdy utwór.

Promocja „100 Bitów za Złotówkę” trwała od 2 lutego do 27 lutego 2026 r. i obejmowała wyłącznie wskazaną selekcję playlist.

Dziękujemy wszystkim klientom, którzy wzięli udział w akcji. Poniżej przedstawiamy archiwalne zasady promocji.

REGULAMIN PROMOCJI „100 Bitów za Złotówkę”

Postanowienia ogólne

• Promocja polegała na udostępnieniu wyselekcjonowanej puli utworów muzycznych w cenie promocyjnej 1 zł netto + VAT za każdy utwór.
• Organizatorem promocji: Schubert Music Library.
• Zakres i czas trwania promocji
• Promocja obowiązywała od 2 lutego 2026 r. do 27 lutego 2026 r. (włącznie).
• Oferta obejmowała 10 playlist po 10 utworów (łącznie 100 nagrań) w różnych stylach muzycznych.
• Utwory objęte promocją mogły zostać zakupione wyłącznie w czasie jej trwania.
• Warunki zakupu i licencjonowania
• Cena pojedynczego utworu w ramach promocji wynosiła 1 zł netto + VAT.
• Licencja musiała zostać wystawiona i opłacona w okresie trwania promocji.
• Licencjobiorcą mógł być wyłącznie podmiot będący płatnikiem w Polsce.
• Jeden podmiot mógł nabyć maksymalnie 10 utworów w ramach promocji.
• Zakup uprawniał do wykorzystania utworu w projektach audiowizualnych, reklamowych, internetowych, podcastach oraz innych formach medialnych, na zasadzie licencji niewyłącznej.

Zasady wykorzystania utworów

Po zakupie licencjobiorca miał 3 miesiące na rozpoczęcie korzystania z utworu.

Przed pierwszym użyciem licencjobiorca był zobowiązany poinformować Schubert Music Library o dacie pierwszej emisji lub publikacji, na podstawie której wystawiana była nota licencyjna z datą startu licencji.

Użytkowanie utworu było możliwe przez cały okres obowiązywania licencji, z zastrzeżeniem przepisów prawa autorskiego.

Zakres i czas obowiązywania licencji

Licencja miała charakter niewyłączny i obowiązywała przez 1 rok od daty pierwszej emisji.

Licencja była ważna na wszystkich terytoriach (globalnie).

Zakres licencji obejmował wszystkie media, w tym w szczególności internet, social media, telewizję, kino oraz radio.

W przypadku wykorzystania utworu w filmach fabularnych oraz dokumentalnych, licencja obowiązywała bez ograniczeń czasowych w odniesieniu do danego projektu.

Pośrednicy i wielokrotne użycia

Licencja była nieprzenoszalna; licencjobiorca nie mógł odsprzedawać ani sublicencjonować utworów jako samodzielnych nagrań.

Dopuszczalne było korzystanie z utworów przez pośredników działających na rzecz swoich klientów końcowych.

Każde wykorzystanie utworu w odrębnej kampanii, projekcie lub produkcji wymagało osobnego zgłoszenia oraz wystawienia osobnej noty licencyjnej.

Postanowienia końcowe

Regulamin dotyczył wyłącznie tej edycji promocji.
W sprawach nieuregulowanych zastosowanie miały przepisy prawa polskiego oraz regulamin Schubert Music Library.

Era wizualnego szumu: dlaczego sam obraz już nie wystarcza
Cyfrowa przestrzeń nigdy nie była tak wizualnie głośna. Krótkie wideo, szybkie cięcia, intensywne kolory, animowana typografia i nieustanny storytelling konkurują dziś o naszą uwagę. Marki chcą być widoczne na każdej platformie, a jednocześnie coraz trudniej jest im realnie się wyróżnić, opierając komunikację wyłącznie na warstwie wizualnej.

W tym wizualnym szumie jeden kluczowy element bywa często pomijany: dźwięk. A przecież dobrze zaprojektowany świat muzyczny — czy to w postaci oryginalnej kompozycji, czy starannie dobranej muzyki z bibliotek produkcyjnych — odgrywa dziś fundamentalną rolę w budowaniu wyróżnialności marki.

Trendy wizualne przemijają szybko, dźwięk jest znacznie trwalszy. Muzyka potrafi identyfikować markę przez długi czas, niezależnie od platformy. Nie jest jedynie dodatkiem do treści — prowadzi narrację: wywołuje emocje, buduje i rozładowuje napięcie oraz zakotwicza wspomnienia. Oddziałuje na nas na poziomie często nieuświadomionym, a mimo to w istotny sposób kształtuje to, jak postrzegamy markę.

Muzyka jako przewodnik emocjonalny
W dzisiejszej komunikacji marek opartej na storytellingu muzyka przestaje być tłem. Staje się emocjonalnym przewodnikiem, który łączy poszczególne momenty opowieści i sprawia, że odbiorcy nie tylko rozumieją markę, ale ją czują. Dobrze dobrana tożsamość muzyczna potrafi przekazać ten sam komunikat w 15-sekundowym filmie na TikToku, w spocie reklamowym czy w aplikacji — niezależnie od medium.

Ma to szczególne znaczenie w czasach, gdy marki są obecne jednocześnie na YouTube, Instagramie, w podcastach, na eventach i w wielu innych punktach styku. Pytanie nie brzmi już, gdzie się z nimi spotykamy, ale czy rozpoznajemy je natychmiast.

Tego rodzaju „orientacja poprzez słuch” stała się częścią codzienności wraz z rozwojem mediów społecznościowych. Konsumenci instynktownie dekodują dziś dźwięki. W erze trendów TikToka nasze uszy zostały „wytrenowane” do przewidywania treści już po jednym akordzie: dźwięk rozstrojonego „shit flute” natychmiast sygnalizuje jakąś nieporadną wpadkę, a pierwsze nuty „Sarà perché ti amo” od razu przywołują beztroski, włoski styl życia. Dźwięk stał się uniwersalnym skrótem emocjonalnym — charakterystyczna melodia, muzyka, efekt dźwiękowy czy rytm potrafią opowiedzieć historię, zanim pojawi się pierwszy kadr.

Dlaczego tożsamość dźwiękowa staje się kwestią strategiczną
Tożsamość wizualna jest dziś podstawowym standardem. Tożsamość dźwiękowa wciąż pozostaje realną przewagą konkurencyjną. Spójny świat muzyczny — definiowany przez muzykę, barwę, efekty dźwiękowe czy rytm — potrafi identyfikować markę długofalowo, nawet gdy zmieniają się trendy wizualne. Siła pamięci dźwięku jest większa niż często sobie uświadamiamy: jedna melodia lub określony klimat mogą natychmiast przywołać całą historię marki.

Marki pozostające w ciszy: gdy nie masz dźwięku
W wyścigu o uwagę poleganie wyłącznie na narzędziach wizualnych staje się coraz bardziej ryzykowne. Marki, które nie podchodzą świadomie i konsekwentnie do warstwy dźwiękowej, rezygnują z niezwykle silnego, emocjonalnego narzędzia komunikacji.

Dziś pytanie nie brzmi już, czy music branding jest potrzebny, lecz kto potrafi korzystać z niego właściwie, a kto po cichu zostaje w tyle. Spójny music branding nie jest kampanią — to długoterminowa decyzja strategiczna. Silne marki zostawiają po sobie nie tylko obrazy, lecz także atmosfery, rozpoznawalne w czasie i na różnych platformach.

Więcej o świadomym budowaniu słyszalnej tożsamości marki przeczytasz w naszej usłudze Branding muzyczny – unikalna identyfikacja muzyczna.

Świat muzyki produkcyjnej to osobny wszechświat – za filmami, serialami, reklamami, podcastami i wszelkimi treściami audiowizualnymi stoją utwory, które nadają historiom rytm, nastrój i emocje. Jednym z najwyższych wyróżnień w tej dziedzinie są Production Music Awards, organizowane co roku w Londynie. Ich prestiż wynika z faktu, że o nominacjach decydują najważniejsze osobistości branży, a sama nagroda świadczy o kreatywności, profesjonalizmie i międzynarodowej jakości.

W tym roku cieszymy się szczególnie. Dzięki wsparciu wydawnictwa Twelvetones, biblioteka Schubert Music Library zdobyła aż cztery nominacje, po raz kolejny udowadniając, że węgierska (i regionalna) muzyka produkcyjna słusznie zajmuje miejsce w światowej czołówce.

Nominowani i ich utwory

1.Kategoria Rock: James Cochrane – Outlaw (album High Voltage Rock, Twelvetones)

„Jestem kompozytorem, producentem i wykonawcą z prawie trzydziestoletnim stażem. Zanim zanurzyłem się w świat punk rocka, zaczynałem jako pianista klasyczny. Utwór Outlaw był inspirowany jednym (lub kilkoma) filmami – chciałem stworzyć coś mocnego i dynamicznego, gdzie wreszcie mogłem wpleść długo planowaną, wielowarstwową partię gitarową. Ta nominacja wiele dla mnie znaczy, to wspaniałe uczucie, gdy uznanie przychodzi z samego środka branży. Jestem wdzięczny Csabie Faltayowi i Gusztávowi Stiedlowi za pomoc w doprowadzeniu albumu do ostatecznej formy.” – James Cochrane

Posłuchaj Outlaw!

2. Kategoria Ambient / Minimalist: Zsófia Tallér & Csaba Faltay – Northern Light (album Luminescence of Winter, Twelvetones Art Series)

„Ogromnie się cieszę, że dwa nasze utwory z biblioteki Schubert Music Library znalazły się w tegorocznych nominacjach do Production Music Awards. W sercu Northern Light leży partia skrzypiec unosząca się na tle syntezatora – tak jak w oryginalnej wersji – jednak tym razem skrzypce zostały nagrane na nowo przez znakomitego Csongora Veéra. Ja dodałem warstwy elektroniczne, dzięki czemu utwór przywołuje lodowaty, a zarazem emocjonalny, nieziemski blask zorzy polarnej – jakby dusza wysyłała wiadomość z innego świata.” – Csaba Faltay

Posłuchaj Northern Light!

3. Kategoria Ambient / Minimalist: Zsófia Tallér & Csaba Faltay – Ascending Piano Cycles (album Cycles, Twelvetones Art Series)

„Ta kompozycja opiera się na dialogu dwóch fortepianów, uzupełnionych o instrumenty akustyczne i elektroniczne. Utwór rozwija się stopniowo: wraz z kolejnymi wejściami partii fortepianowych, pojawiają się nowe warstwy, puls marimby i elektroniczne tekstury wzbogacają przestrzeń. Początkowo był to tylko 30-sekundowy szkic; rozwinąłem linię fortepianu i orkiestrację, a motywy stworzone przez Zsófię wybrzmiewają przez cały utwór.

Dla mnie szczególnie ważne jest to, że muzyka produkcyjna ma własną nagrodę, jedyną taką w Europie. Sama nominacja jest budująca i niemal nierealna, a w tym roku nabiera jeszcze większego znaczenia, bo te utwory to pośmiertne dzieła Zsófii. To nawet więcej niż mogłem sobie wyobrazić. Czuję, że ta nominacja naprawdę należy do niej – świat może doświadczać jej niesamowitego talentu, a ja mogę być pośrednikiem, który pomaga nieść dalej jej dziedzictwo.” – Csaba Faltay

Posłuchaj Ascending Piano Cycles!

4. Kategoria Folk: Manuel Dedonder & Santiago Dolan – Mountain Sky (album Latin American Folk Cinema, Twelvetones)

„Jestem producentem muzycznym i kompozytorem, prowadzę własne studio. Mountain Sky powstał z improwizacji z Santiago, gdzie jamowaliśmy na gitarze i charango. Pierwsze dwie warstwy nagraliśmy na żywo, a potem dalej budowaliśmy utwór w tym samym klimacie. Jestem bardzo dumny z tej nominacji, ponieważ nasza praca zwykle rzadko trafia na pierwszy plan.” – Manuel Dedonder

„Piszę muzykę od ponad dziesięciu lat, do filmów krótko- i pełnometrażowych oraz dokumentalnych, w różnych stylach, często łącząc elementy folkloru z muzyką filmową. Praca z Manuelem nad tym albumem była ogromną radością. Mountain Sky był pierwszym utworem, który zdefiniował brzmienie całego albumu. Proces pisania oparty na improwizacji nadał muzyce autentyczny, tradycyjny charakter. Ta nominacja wiele dla nas znaczy, bo cementuje naszą współpracę i pokazuje to, co gra w naszych sercach.” – Santiago Dolan

Posłuchaj Mountain Sky!

Gala rozdania nagród

Uroczysta gala Production Music Awards odbędzie się 14 listopada 2025 roku w londyńskiej O2 Arenie. To jedno z największych świąt muzyki produkcyjnej, gromadzące twórców z całego świata.
Będziemy mocno trzymać kciuki za nominowanych! Niezależnie od wyniku, już udowodnili, że regionalna muzyka produkcyjna gra w światowej lidze.

 Odpowiedni utwór nie tylko towarzyszy scenie – on ją kształtuje. Muzyka buduje nastrój, wzmacnia emocjonalny przekaz, a czasem mówi więcej niż obraz czy dialog. Nie „wypełnia tła”, lecz często nadaje rytm, atmosferę, a nawet głębsze warstwy opowieści.

Właśnie dlatego wybór muzyki bywa tak trudny. Gdy nie masz pewności, co pasowałoby do sceny, łatwo utknąć.

Ale nie musisz od razu znać dokładnego stylu, tempa czy instrumentów. Wystarczy, że zadasz sobie kilka kluczowych pytań. One wskażą Ci właściwy kierunek i sprawią, że poszukiwania będą szybsze i skuteczniejsze.

1. Jaką Rolę Ma Odegrać Muzyka?

Najpierw zdecyduj, czy muzyka ma jedynie towarzyszyć, czy prowadzić scenę.

Jeśli są narracja lub dialog, muzyka zwykle pełni rolę wspierającą: subtelnie podkreśla obraz, ale nie zagłusza słów. W takim przypadku najlepiej sprawdzają się prostsze aranżacje, utwory instrumentalne czy delikatniejsza dynamika.

Jeśli jednak muzyka ma być głównym elementem narracyjnym – np. w sekwencji bez dialogu albo w montażu budującym klimat – wtedy potrzebujesz czegoś bardziej wyrazistego: utworu z wyraźnym rozwojem, kulminacją, rozpoznawalną melodią czy mocnym brzmieniem.

Wskazówka: Jeśli masz już na myśli jakiś utwór i myślisz „coś w tym stylu by pasowało”, wrzuć go do wyszukiwarki Schubert Music Library – podpowiemy Ci podobne opcje.

2. Jaką Emocję Chcesz Przekazać?

Największą siłą muzyki jest budzenie emocji. Zanim wybierzesz gatunek czy styl, zastanów się, jaki ton emocjonalny chcesz osiągnąć:

Entuzjazm? Ekscytację? Cichą nostalgię? Napięcie lub niepewność? Euforię – a może wewnętrzny konflikt?

Kiedy wiesz, w którą stronę iść emocjonalnie, wyszukiwanie staje się łatwiejsze. Możesz korzystać ze słów kluczowych albo funkcji Prompt Search w Schubert Music Library: wystarczy, że wpiszesz nastrój lub opiszesz scenę słowami, a od razu otrzymasz dopasowane utwory.

3. Gdzie i Kiedy Toczy Się Akcja?

Miejsce i czas akcji często determinują, jaka muzyka będzie odpowiednia. Historia w alpejskiej wiosce wymaga zupełnie innej oprawy niż futurystyczne sci-fi, a opowieści z lat 90. nie odda współczesny trap beat – bo wtedy całość wyda się nienaturalna.

Czasem ten brak spójności stylistycznej nie jest od razu oczywisty – ale mimo to osłabia odbiór. Klimat po prostu nie brzmi autentycznie.

Wskazówka: Jeśli masz wątpliwości, wyszukaj muzykę na podstawie utworu, który już znasz. Nasze narzędzia AI podpowiedzą stylistycznie podobne alternatywy, które będą pasować do Twojego projektu.

4. Kto Jest Twoją Publicznością?

Pomyśl, do kogo kierujesz swój projekt. Wiek, tło kulturowe i zainteresowania odbiorców mają ogromny wpływ na to, co brzmi dla nich autentycznie.

Młodsza widownia często dobrze reaguje na współczesny pop czy elektronikę, podczas gdy starsi widzowie mogą ich nie odbierać równie entuzjastycznie. Celem nie jest trafienie we wszystkich, ale rezonowanie z tymi, do których faktycznie chcesz dotrzeć.

5. Co Sprawia, że Muzyka Jest Naprawdę Wysokiej Jakości?

Muzyka to nie tylko emocje – liczy się też techniczna jakość. Dobrze zmiksowane, starannie zaaranżowane utwory po prostu brzmią lepiej; profesjonalizm słychać od razu.

Żywe instrumenty, naturalna dynamika i prawdziwa produkcja studyjna robią ogromną różnicę – szczególnie w filmie, indie czy rockowych kontekstach. Dlatego warto korzystać z biblioteki, która oferuje nagrania o stałym, wysokim standardzie produkcji.

+1: Nie Martw Się, Jeśli Nie Umiesz Tego Nazwać. Pomożemy Ci.

Nie musisz być muzycznym edytorem, żeby dokonać właściwego wyboru. Wystarczy obraz, uczucie albo nastrój – i narzędzie, które przełoży to na dźwięk.

Dlatego Schubert Music Library wprowadziło inteligentne funkcje wyszukiwania: możesz zacząć od prostego opisu lub utworu referencyjnego, a system pomoże Ci znaleźć dopasowaną muzykę.

Spróbuj! Wejdź na naszą stronę wyszukiwania i zacznij od opisu sceny albo utworu, który Cię inspiruje.

 Reklama, odcinek serialu czy podcast nigdy nie są „tylko projektem”. To Twoja praca, efekt Twojej kreatywności – dlatego ma znaczenie, jakiej muzyki używasz, a jeszcze bardziej: jaka podstawa prawna za tym stoi.

Wielu ludzi sądzi, że licencjonowanie muzyki dziś to „bułka z masłem”: kilka kliknięć, płatność online, pobranie – i gotowe. Ale rzeczywistość jest bardziej złożona. Problemem nie jest samo kliknięcie, lecz to, czego brakuje w tle.

W Schubert Music Library nie dostarczamy tylko muzyki – dostarczamy ochronę prawną, profesjonalne wsparcie i ludzką obecność. Wierzymy, że muzyka nie tylko inspiruje – ale też zobowiązuje. A tego zobowiązania nie można powierzyć anonimowym szablonom.

1.  Cena szybkich rozwiązań

Klasyczny scenariusz: jesteś producentem pod presją czasu, potrzebujesz muzyki, więc wchodzisz na międzynarodowy serwis ze stockową muzyką. Znajdujesz odpowiedni utwór, płacisz, pobierasz i otrzymujesz ogólną licencję. Na początku wszystko wydaje się w porządku.

Ale później pojawiają się pytania: Co dokładnie obejmuje ta licencja? Na jak długo? Na jakich terytoriach? Do kogo należą prawa, jeśli klient później zmontuje projekt na nowo? Ogólne umowy rzadko odpowiadają na te pytania – przynajmniej jasno.

Niewygodna prawda: odpowiedzialność spada na Ciebie. Nawet jeśli działałeś w dobrej wierze.

2.  Dlaczego nie pomijamy formalności?

 U nas każdemu użyciu muzyki towarzyszy indywidualna umowa licencyjna. Tak, wymaga to nieco więcej korespondencji – jednego czy dwóch dodatkowych maili – ale właśnie to gwarantuje, że to, co otrzymujesz, w pełni odpowiada Twoim realnym potrzebom.

Nie składamy mglistych obietnic, lecz dajemy jasne szczegóły:

• Jak możesz używać muzyki (reklama, serial, animacja, podcast, spektakl teatralny itp.)
• Gdzie może się pojawić (tylko YouTube? telewizja krajowa? dystrybucja kinowa?)
• W jakich krajach i przez jaki okres
• Kto jest uprawniony do korzystania – Ty, Twój klient czy może podwykonawca

Ten poziom precyzji to nie drobiazgowość. To gwarancja, że problemy nie pojawią się później.

3.  Ludzka obecność – nie tylko chatboty i automatyczne PDF-y

 Wiemy, co znaczy „na wczoraj”. Wiemy, co oznacza, gdy projekt zmienia się w ostatniej chwili. Dlatego jesteśmy dostępni.

Schubert Music Library to nie bezosobowa platforma na odległym serwerze – to realna firma. Kiedy masz pytanie, nie otwierasz zgłoszenia do supportu – rozmawiasz z prawdziwymi ludźmi, w Twoim języku, którzy znają branżę, prawo i lokalny rynek.

I nie jesteśmy obecni tylko w Polsce, mamy też lokalne zespoły w Rumunii, Bułgarii i na Węgrzech. Jeśli więc planujesz kampanię regionalną, pomożemy Ci także w tym zakresie.

4.  Zero szablonowej muzyki i zero szablonowych rozwiązań

Duże międzynarodowe platformy myślą zwykle w kategoriach „pakietów”: kupujesz muzykę produkcyjną, dostajesz standardową licencję i… powodzenia. U nas jest inaczej.

To my dopasowujemy muzykę do Twojego projektu – a nie odwrotnie.

Nieważne, czy chodzi o pojedynczą reklamę, cały serial, czy festiwal – przygotowujemy licencję szytą na miarę. A jeśli chcesz, pomożemy Ci nawet w wyborze muzyki od samego początku – bo traktujemy ten etap równie poważnie.

5.  Nie tylko „sprzedajemy” muzykę produkcyjną – budujemy partnerstwa

 Naszym celem nie jest „wrzucenie” Ci licencji. Naszym celem jest współpraca, aby Twoja produkcja była zarówno muzycznie, jak i prawnie bezpieczna.

Dlatego współpracujemy wyłącznie z kompozytorami i wydawcami partnerskimi, których znamy osobiście. Nie wrzucamy automatycznie utworów z anonimowych źródeł – ponieważ my również bierzemy odpowiedzialność. Dzięki temu, jeśli ktoś zakwestionuje prawa, wiemy dokładnie kogo, co i jak reprezentujemy.

+1: Dlaczego profesjonaliści wracają do nas raz po raz?

 Bo rozumiemy, że wybór muzyki to nie tylko kwestia klimatu. To również bezpieczeństwo prawne, finansowe i zawodowe. Dlatego nie wybieramy łatwiejszej drogi – lecz tę, która pozostaje bezpieczna i trwała w dłuższej perspektywie.

Jeśli myślisz podobnie – skontaktuj się z nami.

Nie wyślemy Ci szablonu. Damy Ci uwagę, wiedzę i rozwiązanie, które działa długofalowo.